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„Kevin.A.Rausch - Lone Wolf.“

„Vielleicht gehe ich immer vom Dreck aus.“ Kevin A. Rauschs Bilder sind stets Sedimentationen von Materialität und intensiven prozessualem Einsatz. Die Leinwand bleibt trotz all ihrer Transparenz und verführerischen Tiefe hin zum Landschaftsraum primär ein Feld der Spuren. Unmittelbar und mit verstärktem körperlichen Einsatz geht der Maler ans Werk, lässt der Farbe freien Lauf, besudelt den Bildträger, befleckt das helle Weiß des Gewebes. Das Bildfenster verwandelt sich in eine pastos schmierige Oberfläche. Schon Rembrandt und Courbet setzten die Farbe als materielle Substanz ein, dick aufgetragen mit der Kelle, sodass aus „Unachtsamkeit“ Tropf- und Schmierspuren stehen gelassen wurden, ohne sie im Sinne der Naturaneignung zu säubern. Als schmutzige unkultivierte „Schmierer“ wurden sie von ihren Kritikern verhöhnt, die das hehre Gemälde befleckten. Diese Sudeleien zeigten sich jedoch als radikaler Beitrag der vormodernen Malerei im Sinne von Prozessualität und Autonomisierung der malerischen Mittel. Rausch spannt meist die Leinwand auf den Keilrahmen am Atelierboden auf wodurch sich die ersten Spuren ohne eigentliche künstlerische Handschrift ablagern. Der Maler hatte unlängst Neapel besucht, eine Stadt, die so gar nicht italienisch pittoresk erscheint. Sie ist Kairo in ihrer Schroffheit und Schmutzigkeit näher als Rom oder gar dem „Freilichtmuseum“ Florenz. 2005 sind während seines Artist in Residence-Aufenthalts in Kairo großformatige Papierarbeiten entstanden, die diese Grobheit und schöne Schmutzigkeit ausstrahlen. Es ist ein Malen und Zeichnen „gegen das Klientel“, gegen den generellen Geschmack am Kunstmarkt, wo Image, Figur und Primärfarben großgeschrieben werden. Bei Rausch dominiert das Brüchige, Obskure und Schwarze. Sein direkter Strich verdichtet sich zu dornigem Buschwerk und Stacheldrähten, zu kratzig Widerständigem, scharf Verletzlichem, in das sich unser Blick verhakt. Langgezogene Linien mutieren zu kreischenden Kratzern und Furchen. In der Folge hat jedoch ein merklicher Hang zum Lyrischen und Sanften Einzug gehalten. Farbe fungiert nun mehr als Mittel um atmosphärischen Raum zu entwickeln, malerische Pinselstriche legen sich transparent übereinander, wie das Flackern des Lichtes mit leichtem Seegang. Nebelverhangene Gebirgszüge säumen die Gewässer; an den Rändern des Bildvordergrundes pflanzliche Wucherungen, ohne dem Diktum des reinen Abbildens zu verfallen. Die Malerei um ihrer Selbst willen, ihre unmittelbare Kraft und Rohheit stehen stets im Zentrum, wenn auch in Verbindung mit der Natur. Dabei trifft Rausch auf ein großes kunsthistorisches Terrain der „malerischen“ Landschaftsmaler von William Turner, Gustave Courbet über Claude Monet, Joan Mitchell, Per Kirkeby, Anselm Kiefer bis zu aktuellen Proponenten wie Peter Doig, Herbert Brandl und Cecily Brown. Romantische Melancholie schleicht sich ein, wenn Rausch eine zierliche Figur als Vertreter des Betrachters an den unteren Bildrand einer weiten düsteren Landschaft postiert – ein C.D. Friedrich-Zitat des Mönchs am Meer. Nur bricht der österreichische Künstler die Allmacht des Naturraums durch die inhomogene Struktur des Bildes, die zwischen atmender Räumlichkeit und wandanstrichähnlicher Flächigkeit changiert.
Collagehaft zersplittert Rausch das mehrteilige Werk, bildet Zonen aus Grafischem und flächig Gedecktem. In einer Ecke des Atelierraums im 15. Bezirk versammeln sich unterlebensgroße Figuren, die aus den Bildern entsprungen sind. Ihre Haut, ihr Gewand wurde ebenso zeichnerisch und malerisch behandelt wie die Leinwand. Groteske Kreaturen von anderen Orten kommend, Reisende, die von der Ferne erzählen. Rausch erschafft Bildwelten, jenseits des Urbanen, es sind imaginäre schwarzromantische Landschaften, in denen er als Lonely Wolf seine malerisch-zeichnerische Fährte aufnimmt.


Florian Steininger, Vienna 2013
curator Bank Austria Kunstforum


„Kevin.A.Rausch - Lone Wolf.“

„Perhaps I always start with dirt.” Kevin A. Rausch’s pictures are always sedimentations of materiality and results of an intensive investment of process-oriented energy. Despite all its transparency and seductive depth suggesting a landscape space, the canvas is primarily a field of trails and traces. The painter gets to work spontaneously and with heightened physical energy, he lets the paint have its own way, besmirches the canvas, blotches the bright white of the fabric. The picture window is transformed into a pastose, smeared surface. Rembrandt and Courbet before him also used paint as material substance and applied thickly with the scoop, so that „unintentional” drops and smeared trails were left without cleaning them up to achieve a naturalist appearance. The critics savaged the artists as slovenly, uncultivated „daubers”, sullying the noble painting. This besmirching however proved to be a radical contribution to pre-modern painting, transforming the painterly medium in terms of autonomy and a process-based approach.
Rausch usually spreads out the framed canvas on the studio floor, which means that the first traces are applied without any actual artistic intention or individual touch. He had recently visited Naples, a city that has little Italian picturesqueness about it. In its roughness and dirt it is closer to Cairo than to Rome, let alone the „open-air museum” of Florence. During his period as artist in residence in Cairo in 2005, he produced large-format works on paper emanating this ruggedness, this beautiful squalor. This is painting and drawing challenging „the clientele”, countering the general taste ruling the art market, where image, figure and primary colours are top priority. Rausch’s work is dominated by the brittle, the obscure and the black. His direct stroke densifies into thorny undergrowth and barbed wire, to scratching resistance, stinging vulnerability, entangling our glance.
Long drawn lines mutate into shrieking scratches and furrows. Subsequently, however, he has shown a noticeable tendency towards a lyrical and mellow mode . Colour now functions merely as a means to create atmospheric space, painterly brushstrokes applied one on top of the other, like light flickering on gentle swells of the sea. Mist-veiled mountainous contours line the water, rampant vegetation on the foreground edge of the picture, images that never succumb to the dictum of pure representation. Painting for its own sake, its immediate power and rawness, is always at the centre, even when it is involves nature. Here Rausch encroaches on the great art-historical terrain of „painterly” landscape painters, ranging over William Turner, Gustave Courbet, Claude Monet, Joan Mitchell, Per Kirkeby, Anselm Kiefer and modern exponents including Peter Doig, Herbert Brandl and Cecily Brown.
Romantic melancholy creeps in when Rausch positions a graceful figure as representative of the observer on the bottom edge of the picture in a far-reaching, gloomy landscape, a Caspar David Friedrich quotation of the Monk by the Sea. But the Austrian artist disrupts the omnipotence of nature’s domain by the lack of homogeneity in the picture, a chatoyant alternation between airy spaciousness and the flatness of a painted wall. Rausch fragments the multi-part work like a collage, forms zones out of graphic elements and planar coatings. Undersized figures gather in a corner of his studio in the 15th District, having seemingly sprung out of their origins in the pictures. The artist has treated their skin, their attire just as graphically and in a painterly way as on the canvas. Grotesque creatures arriving from other places, travellers who tell of foreign parts. Rausch creates worlds of images, way beyond urban reality, imaginary, black-romantic landscapes, in which he lopes forth as a lone wolf on his painterly graphic way.

 

Florian Steininger, Vienna 2013
curator Bank Austria Kunstforum